En Annecy la próxima semana, el violinistauna ambiciosa coproducción Asia-Europa dirigida por Ervin Han y el veterano de Disney Raúl García, hará su estreno mundial en la competición oficial del festival.
Producida por Robot Playground Media de Singapur, TV ON Producciones de España y Altri Occhi de Italia, Cerveza de dibujos animados ha tenido acceso exclusivo al primer avance del drama histórico.
el violinista es un drama histórico que abarca una década y sigue a dos amigos de la infancia cuyas vidas están marcadas por la guerra, la separación y una conexión de por vida con la música. La película, que abarca casi ocho décadas, comienza en el Singapur anterior a la Segunda Guerra Mundial y se desarrolla con el telón de fondo de la ocupación japonesa y los dramáticos cambios sociales y políticos que siguieron en todo el sudeste asiático. En el centro está la historia de Fei y Kai, dos jóvenes músicos talentosos cuyo amor compartido por el violín perdura mucho después de que la historia los lleva por caminos diferentes.
El proyecto marca un hito para la animación de Singapur. Se trata del primer largometraje de animación del país en más de quince años y la primera coproducción oficial entre Singapur y España. Combinando artistas de todo el sudeste asiático y Europa, el violinista combina animación dibujada a mano, escenas mejoradas por computadora y una potente partitura original de Ricky Ho e Isabel Latorre.
Antes del debut en Annecy, hablamos con Han y García sobre la inusual producción internacional de la película, su entorno histórico y el desafío de construir una historia donde la música sea tan importante como cualquier personaje en la pantalla.
Cartoon Brew: ¿Puedes hablar un poco sobre la estructura de coproducción? Es inusual ver una coproducción de largometraje de animación entre Singapur y Europa, especialmente a esta escala.
Raúl García: Fue complicado desde el principio porque se trata de la primera coproducción entre España y Singapur. Singapur es un país pequeño y financiar una función por sí solo es muy difícil. Sabíamos que teníamos un gran proyecto y queríamos hacerlo realidad juntos, pero la coproducción nunca es sencilla.
A medida que se sumaron más países, tuvimos que descubrir cómo dividir el trabajo de una manera que pareciera perfecta. No podíamos permitir que el público notara cambios de estilo o diferencias en el comportamiento de los personajes. Afortunadamente, el guión de Ervin abarca décadas y múltiples ubicaciones, por lo que nos brindó formas naturales de asignar secuencias a diferentes equipos. Ciertos períodos de tiempo y ciertos lugares podrían ser manejados por diferentes socios sin dejar de sentirse como una película cohesiva.
¿Cómo se conocieron ustedes dos por primera vez y cuánto tiempo llevaba en desarrollo este proyecto?
Ervin Él: Cofundé Robot Playground Media en 2013. El sueño siempre fue contar historias locales a través de la animación y, eventualmente, hacer una película animada. Singapur tiene una industria de animación, pero se centra principalmente en trabajos de series y servicios. Realmente no ha habido una cultura cinematográfica.
comencé a escribir el violinista el día de Año Nuevo de 2017. Estaba lloviendo y todavía recuerdo haberme sentado para empezar. Quería que nuestro primer artículo tratara sobre quiénes somos y de dónde venimos.
Conocí a Raúl hace siete u ocho años en Singapur. Nos llevamos bien de inmediato. Lo que creo que le atrajo del guión fue que estaba profundamente arraigado en la historia y la cultura del sudeste asiático, pero también era una historia universal sobre personas y relaciones. Como era nuestra primera función, sabía que necesitaba a alguien con experiencia para ayudar a guiar a un equipo joven. Incorporar a Raúl fue una de las mejores decisiones que tomamos.
García: Cuando comencé a enseñar en Lasalle College of the Arts en Singapur, intenté conocer a todos los que trabajaban allí en animación. Nos presentaron a través de amigos en común y conectamos de inmediato.
Ervin me mostró algunos de sus cortometrajes sobre lugares de Singapur que ya no existen. Seguí diciéndole que esas historias merecían una audiencia más amplia. Luego me mostró una versión temprana de el violinistay era obvio que este no era un cortometraje. Necesitaba un lienzo más grande.
Vivir en Singapur también me hizo sentir curiosidad por una historia de la que sabía muy poco. Todas esas cosas se juntaron en este proyecto.
La película es increíblemente ambiciosa. Abarca décadas, múltiples países y acontecimientos históricos importantes. ¿Esa escala creó desafíos durante el desarrollo del proyecto?
Él: Absolutamente. Pero desde el principio no pretendíamos hacer un documental histórico. La película se basa en hechos reales, pero en realidad trata sobre cómo la gente experimenta y recuerda la historia.
La historia se vive a través de amistades, pérdidas, amor y música. Queríamos que el público sintiera esas cosas en lugar de simplemente aprender hechos. En el centro está esta relación que se desarrolla a lo largo de décadas. La historia trata sobre la memoria, la identidad, la independencia y el autodescubrimiento, pero en última instancia se trata de dos personas que encuentran su propio camino en la vida.
Para mí la vida no es ni feliz ni triste. Es agridulce. Esa es la verdad emocional que estábamos tratando de capturar.
García: La música es realmente la tercera protagonista de la película. Es lo que mantiene a estas personas conectadas. A través de la música experimentamos su sufrimiento, sus sueños y sus esperanzas. Se convierte en el hilo emocional que recorre toda la historia.
La película explora una parte de la historia de la Segunda Guerra Mundial que muchas audiencias internacionales tal vez no conozcan. ¿Qué importancia tuvo ese aspecto del proyecto?
Él: Cuando viajamos a mercados de Europa o América del Norte, a menudo recordamos que muchas personas no se dan cuenta de que el Sudeste Asiático pasó siglos bajo dominio colonial antes de la guerra.
Todavía se pueden ver esos legados en la arquitectura, los sistemas legales y la cultura en toda la región. Es una historia complicada, a veces dolorosa, pero siempre fascinante. Con suerte, la película presenta algo de esa historia al público de todo el mundo.
García: Desde una perspectiva occidental, nuestra comprensión de la Segunda Guerra Mundial ha estado moldeada en gran medida por las narrativas estadounidenses y europeas. Conocemos Pearl Harbor e Hiroshima, pero gran parte del sudeste asiático sigue siendo un espacio en blanco.
Lo que me interesaba era poner rostros y cultura detrás de esos acontecimientos. Al fin y al cabo, estamos contando una historia de amor, pero situarla en este contexto histórico le da mayor peso y significado.
Algunos de los momentos más importantes de la película combinan animación dibujada a mano con entornos generados por computadora y movimientos de cámara ambiciosos. ¿Cómo abordaste ese equilibrio?
García: Elegimos hacer la película principalmente en 2D porque se adaptaba a la historia y a su tono emocional. Al mismo tiempo, hay secuencias que exigían algo de mayor escala.
Encontrar el equilibrio entre la animación 2D y los entornos 3D implicó mucha experimentación. Tuvimos que descubrir hasta dónde podíamos llevar cada técnica sin romper el lenguaje visual de la película.
Él: Sabíamos que había varias escenas importantes que anclarían la película. La primera secuencia del ataque aéreo, por ejemplo, fue creada con Studio Igloo en Tailandia. Otra gran secuencia de acción estuvo a cargo de un estudio vietnamita.
Algo de lo que estoy muy orgulloso es que pudimos colaborar con artistas de todo el Sudeste Asiático. Esos movimientos de cámara más grandes y momentos con mucho CG se usaron con moderación. Como aparecen sólo en momentos clave, tienen más impacto.
En algunos casos, incluso eliminamos la música de esas escenas y confiamos completamente en el diseño de sonido. Queríamos que el público sintiera lo que estaba en juego.
Como has dicho, la música juega un papel enorme en la película. ¿Cómo manejaste la creación de una partitura que coincidiera con lo que necesitabas de este tercer personaje principal?
Él: Siempre supimos que habría una sonata central para violín que conectaría a los personajes. Fei y Kai pasan gran parte de la película separados, pero la música los mantiene conectados.
La sonata evoluciona junto a ellos. Al principio, es esperanzador y juvenil. Al final, después de toda una vida de búsqueda, dolor y autodescubrimiento, significa algo muy diferente.
Trabajamos con dos compositores maravillosos. Ricky Ho compuso la mayor parte de la música original, mientras que Isabel Latorre aportó otra perspectiva desde España. La música es verdaderamente el alma de esta película. Es a la vez parte del mundo de la historia y parte de la narración emocional en sí.
Creo que la animación se adapta de manera única a una historia como esta. El medio permite que la música transmita emociones de maneras que serían mucho más difíciles de lograr en acción en vivo.
García: Ricky e Isabel unieron las tradiciones musicales orientales y occidentales. Eso refleja la idea más amplia detrás de la película. La música es un lenguaje universal que existe más allá de la guerra, más allá de las fronteras y más allá del conflicto.
El diseño visual se siente influenciado por el anime, pero nunca parece que esté imitando al anime. ¿Cómo desarrollaste el aspecto de la película?
García: Al igual que con la configuración de producción, queríamos combinar la sensibilidad europea con influencias de la animación japonesa. El resultado es algo que se sitúa en algún punto intermedio.
Cada historia necesita su propia identidad visual. No estábamos interesados en copiar un estilo. Intentábamos encontrar el estilo que correspondía a esta historia.
Incluso hay diferentes enfoques dentro de la película. Las secuencias del montaje histórico utilizan un lenguaje visual más cercano a las ilustraciones de época y las publicaciones de tiempos de guerra.
Él: No intentábamos imitar ninguna tradición. Sin duda, el anime fue una influencia, especialmente en términos de expresividad y matices. Pero nos inspiraron igualmente los cineastas y artistas europeos.
En realidad, es una película más tranquila de lo que la gente podría esperar. La música sirve como ancla, fuente de consuelo y dignidad en circunstancias extraordinarias. Esa moderación emocional influyó en muchas de nuestras elecciones visuales.
Un detalle que destaca es la precisión con la que están animadas las interpretaciones del violín.
García: Estábamos obsesionados con eso. Queríamos que la historia fuera auténtica, pero también queríamos que la música fuera auténtica.
Creamos una unidad dedicada cuyo único trabajo era animar interpretaciones de violín. Las posiciones de los dedos tenían que coincidir con la música. Queríamos que los músicos que veían la película creyeran lo que estaban viendo.
Con demasiada frecuencia en la animación, o incluso en la acción en vivo, ves a alguien tocando un instrumento y las manos no coinciden con las notas. Queríamos evitar eso por completo.
Él: Tuvimos un equipo en Singapur trabajando en animación para violín durante aproximadamente un año y medio. Ninguno de ellos tocaba el violín cuando empezaron. Teníamos violines en el estudio y pasábamos una enorme cantidad de tiempo estudiando referencias interpretativas.
la película se llama el violinista. Sabíamos que teníamos que hacerlo bien.
