Con la década de 1970 en el espejo retrovisor, ciertos artistas solistas se destacan claramente, no necesariamente por cómo se posicionaron en las listas de entonces, sino por la forma en que su música sigue siendo relevante, cómo ha seguido siendo influyente y la forma en que esos músicos innovaron en el arte del canto. Hay muchas razones por las que los artistas pueden ser apreciados por la crítica, incluso si no tuvieron todos los éxitos número uno; no es que no puedan tenerlos también; algunos lo hicieron, pero ese no es el único criterio que consideramos como una señal de éxito mientras profundizamos en algunos de los artistas solistas más aclamados por la crítica de los años 70.
Los músicos aquí no necesitan presentación, pero resaltaremos sus enfoques de su oficio y cómo los resultados ayudaron a dar forma a la cultura pop, porque si bien Captain y Tennille ocuparon el puesto número uno por más tiempo en 1975, esos gatos no tuvieron una influencia real, a diferencia de Neil Young, Joni Mitchell, David Bowie, John Prine o Marvin Gaye. Lo que hizo que esos legendarios artistas solistas tuvieran tanto éxito en los años 70 fueron sus múltiples álbumes de gran prestigio que se ganaron la admiración de los críticos, otros músicos y el público por igual, y que a menudo influyeron en cómo pensamos sobre nosotros mismos y el mundo que nos rodea. Hoy en día, todavía se habla con reverencia de estos artistas. Los éxitos de las carteleras van y vienen, pero la permanencia y la influencia musical son las verdaderas marcas del éxito.
Marvin Gaye
Aunque Marvin Gaye había estado en Motown desde 1961 y fue un exitoso creador de éxitos durante esa década, a principios de los años 70 estaba listo para ampliar sus capacidades musicales y profundizar en una composición más personal y significativa. Conmocionado por la actual guerra de Vietnam y los problemas sociales y ambientales de la época, creó su undécimo álbum, “What’s Going On”, con un gran éxito comercial y de crítica, y no se puede subestimar su influencia en el arte como comentario social. Otra cosa que lo hizo tan destacado fue que era un nuevo tipo de disco de un artista negro, y Gaye lo escribió y lo produjo, demostrando su valor creativo. Las canciones tienen un propósito y suenan como un tapiz perfectamente curado cuando se toman en su conjunto.
En los años 70, Gaye lanzó varios álbumes más, incluido lo que el Salón de la Fama del Rock & Roll llamó una “obra maestra de mal humor”, el aclamado por la crítica de 1973 “Let’s Get It On”, que profundizó más en el lado sensual de Gaye. Sin embargo, como señaló la BBC, “‘Let’s Get It On’ es un trabajo icónico y entusiasta, pero muy ligado a las dudas e incertidumbres de Gaye”, en parte porque Gaye había alcanzado la cima del éxito con “What’s Going On” y era difícil saber adónde ir a partir de ahí. Variety dice que “‘What’s Going On’ cambió el sonido del R&B para siempre”, y ese tipo de influencia, junto con la atemporalidad del álbum, es difícil de superar.
Joni Mitchell
En 1971, Joni Mitchell lanzó su cuarto álbum fundamental, “Blue”, un disco íntimamente personal que le valió muchos elogios de la crítica. Ya era muy conocida como la poeta con voz de ángel del folk-rock, pero en los años 70, y comenzando con “Blue”, Mitchell comenzó a explorar nuevas vías con su música, haciendo más discos con tendencia al jazz y experimentando con su contenido lírico. En 1974, consiguió su mayor éxito en Billboard con “Help Me”, de su álbum “Court & Spark”. Ese sencillo llegó al número 7, pero la producción de Mitchell nunca tuvo tanto éxito comercial como lo fue la expresión sincera de su oficio. Los críticos lo notaron, especialmente en los años 70.
Como señala Pitchfork, Mitchell “sigue[ed] su musa”, y sus primeros 10 álbumes, la mayoría de ellos de la década de 1970, estuvieron entre los mejores lanzamientos consecutivos de cualquier artista: “Mitchell fue la primera autora del pop, una innovadora de talento singular, cuya influencia fue vasta, inmediata… y duradera”. La escritora de Pitchfork, Jessica Hopper, señaló en 2012 que la influencia de Mitchell en la moderna “industria artesanal del beso y la narración” todavía se ve en artistas como Taylor Swift y St. Vicente.
Mitchell dijo en 2022 que cree que, si bien sus álbumes fueron elogiados por la crítica, no recibieron la atención general que deberían haber debido a la industria musical dominada por los hombres de los años 70, y dijo: “La gente pensó que era demasiado íntimo… Creo que puso nerviosa a la gente” (a través de BBC). Sin embargo, valoró que las nuevas generaciones que fueron influenciadas por su composición se sientan más cómodas enfrentando sus emociones.
John Prine
John Prine podría describirse como un compositor de canciones, el tipo de artista que aquellos que entienden el oficio reconocen como un auténtico talento. Su historia de origen musical lo subraya. Curiosamente, Roger Ebert habló por primera vez sobre él en 1970; sí, el crítico de cine, que vio a Prine donde actuaba regularmente en un pequeño local de Chicago cuando era un cartero de 23 años. Ya había escrito algunas de sus canciones más queridas, como “Angel From Montgomery” y “Your Flag Decal Won’t Get You Into Heaven Anymore”.
El legendario compositor Kris Kristofferson también había oído hablar de Prine, y en 1971 fue a verlo a Chicago, al pequeño club donde Prine actuaba regularmente. Kristofferson, a quien Prine describió a Billboard como “más caliente que una pistola de dos dólares en ese momento”, supo que había escuchado algo nuevo y extraordinario en Prine y lo tomó bajo su protección. Más tarde ese año, Prine lanzó su primer disco homónimo, seguido de tres álbumes más en 1972, 1975 y 1976, y muchos más más allá de los años 70.
Prine nunca fue un creador de éxitos convencional, pero Terry Roland del Troubadour de San Diego lo describió en 2020, el año de su muerte, como “un oficial atemporal que informó sobre la experiencia humana con una simplicidad engañosa. Nos hizo reír, llorar, pensar y sentir profundamente, y dio aliento a cantantes singulares como Bette Midler (‘Hello in There’), Bonnie Raitt (‘Angel From Montgomery’), Johnny Cash (‘Paradise’) y George Strait (‘I Just Want to Dance With). You’), a través del poder de sus palabras y las excentricidades únicas de su mente, era la encarnación de los tres acordes y la verdad”.
Neil Young
Neil Young fue conocido por primera vez como miembro de Buffalo Springfield a finales de los años 60, pero su trabajo en solitario en los años 70 a menudo se considera su punto ideal. Young lanzó “After the Gold Rush”, que Classic Album Sundays llamó “quizás su primera verdadera obra maestra”, en 1970, pero el álbum no tuvo un gran éxito y Rolling Stone inicialmente lo criticó. Hoy, sin embargo, se considera uno de los mejores de la década, con canciones como “Southern Man” y “Only Love Can Break Your Heart”. “Harvest” de 1972 consolidó su reputación como solista aclamado por la crítica, a pesar de que a Rolling Stone tampoco le gustó este disco cuando salió por primera vez. Mientras tanto, Guitar.com calificó el álbum como “una obra de genio” en 2021, lo cual es interesante ya que ese medio informó que Young dijo una vez que lo que más le importa es cómo se “verá su música dentro de 30 o 40 años”.
Young lanzó nueve álbumes en solitario en los años 70, sin contar sus lanzamientos con la banda Crazy Horse. Ocho de sus 11 éxitos en Billboard como solista fueron de esa década, con “Heart of Gold” alcanzando el primer puesto en 1972. Su siguiente canción con mayor ranking fue la número 31. Como se informó en un ensayo escrito por Fred Schruers para la incorporación de Young al Salón de la Fama del Rock & Roll, Young estaba desilusionado con la música convencional después de “Harvest”, por lo que dijo que “se dirigió a la zanja” donde había “gente más interesante”. A partir de ahí, Young cultivó un cuerpo de trabajo único que exploró los lugares más oscuros y aun así volvió a rockear con canciones como “Like a Hurricane” de 1977.
Susan Lacy, creadora y productora ejecutiva ganadora de un Emmy de “American Masters”, lo elogió y dijo: “No se puede negar que Neil Young es la realeza del rock más intransigente de la música. Es un poeta irreverente con un corazón de rock and roll. Su música encarna el arco de la experiencia estadounidense, desafía las opiniones autorizadas, desafía las encasillamientos de la industria y continúa teniendo un impacto en los músicos y fanáticos de todo el mundo” (a través de PBS).
David Bowie
David Bowie era un tipo de músico diferente a los demás en esta lista, ya que su arte iba más allá del canto para incluir un gran énfasis en la interpretación escénica y traspasar los límites de la identidad convencional. Bowie fue prolífico en los años 70, lanzando 11 álbumes de estudio, entre ellos “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars”, “Aladdin Sane” y lo que se conoció como su Trilogía de Berlín, “Low”, “Heroes” y “Lodger”.
Mientras los demás artistas de esta lista estaban muy inmersos en la época en la que vivían la vida, Bowie miraba hacia adelante e imaginaba lo que podría ser. Su valentía en nombre de la experimentación le valió una audiencia de fanáticos y críticos que siempre sintieron curiosidad por saber qué haría a continuación. Time escribió: “Los años 70 siguen siendo la era más visionaria de Bowie, la época en la que se estableció como el Nostradamus del pop moderno” por la forma en que parecía estar por delante de las tendencias venideras en identidad y la forma en que curamos nuestra autoimagen para el mundo de hoy a través de cosas como las redes sociales.
En cuanto a su música, tenía cualidades similares. Robert Hilburn escribió para el Salón de la Fama del Rock & Roll: “Bowie produjo algunas de las músicas más inquisitivas y conmovedoras de la era pop moderna. Al escribir sobre los monstruos aterradores de su propia vida en una sociedad que estaba reexaminando sus valores, Bowie presagió casi todas las tendencias importantes del pop, desde la confusión de género de la era del brillo hasta la alienación introspectiva del rock de los noventa”.